Введение в рисование в стиле аниме

Одной из проблем, вставших передо мной, когда я начал рисовать в стиле аниме, было то, что я не знал, где и как этому научиться. Копирование чужих работ помогало, но немного. В конце концов, в чем смысл слепого копирования, если ты не представляешь себе, почему все нарисовано именно так, а не иначе, и почему в итоге все получается? Учение путем копирования помогает только до определенного этапа (не очень отдаленного, кстати), поскольку при копировании вы пропускаете все то, что художник прорабатывал в голове, когда рисовал оригинал. Другими словами, тот, кто копирует, концентрирует свое внимание лишь на внешнем виде рисунка - линиях, оттенках, затенению, фигурах и т. д. К сожалению, копировщик пропускает все остальное, что художник ИСПОЛЬЗУЕТ при рисовании - структуру, композицию, образ. Возможно, мое отношение к копированию можно выразить словами "Какой смысл красить и украшать дом, если у вас нету этого дома?".

 

Еще одним разочарованием стали попытки получить дельный совет от тех, кто умел рисовать в стиле аниме, но все их объяснения сводились к фразе "Ну, ты рисуй себе, рисуй, и в конце концов научишься". Надо признаться, такой способ обучения сработает. Однако, для начинающего рисовальщика такой способ выглядит настолько устрашающе, что он вероятнее всего бросит свои попытки, если рядом с ним не будет преподавателя. Кроме того, используемый многими преподавателями способ обучения рисованию "шаг за шагом" по-моему работает только до определенного момента.

 

Хочу обратить ваше внимание на то, что мои объяснения того, как надо рисовать в стиле аниме (да и в любом другом стиле), носят достаточно неортодоксальный характер, учитывая то, что здесь не будет обучения рисованию "шаг за шагом" (когда сначала рисуют кружок, потом добавляют к нему разные штрихи т. д.). Причина в том, что если я буду учить таким образом, то в лучшем случае вы научитесь рисовать в МОЕМ стиле, и упустите восхитительное чувство рисования в СВОЕМ. На всякий случай я включу небольшую "пошаговую" секцию для тех, кто чувствует себя особенно неуверенно, но я рекомендую использовать этот способ лишь как начальный этап и не считать его догмой.

 

Так почему же я создал эту страницу? Да потому что ни в киберпространстве, да и нигде в другом месте, вроде бы нету никакой информации о том, как рисовать в стиле аниме. Мне не нравится, что многие фэны аниме, желающие научиться рисовать в этом стиле, или не могут найти никакой (полезной) информации о том, как это делать, и бросают свои попытки. Также мне не нравится, что где бы я не выставлял свои работы (на выставках, конференциях, встречах т. д.), я всегда слышал эту страшную фразу "Эх, я всегда хотел научиться рисовать, но...". Еще хуже тем фэнам, которые попробовали. но бросили рисовать.

 

Я нахожу этот аспект аниме достаточно печальным. Фэны аниме обычно прилагают все усилия к тому, чтобы распространить знания и информацию об аниме среди широких масс, и затем, когда эта цель достигнута, усилия направляются на то, чтобы новообретенные фаны имели доступ ко всему, что их интересует - как к фильмам, так и к сопутствующим материалам. Однако, бывает, что фэн желает выразить свое обожание аниме путем рисунка, пытается, не может сделать это правильно, и навсегда все бросает. Особенно жаль тех, кто сперва пытался найти какую-либо информацию по предмету, но не смог этого сделать и тоже все бросил.

 

Так я пришел к решению создать эту страницу, которая должна стать оазисом для тех, кто желает без помех и огорчений попробовать себя в рисовании в стиле аниме. Кроме того, я надеюсь развеять некоторые мифы и стереотипы как о рисовании вообще (один из самых известных - "Это прирожденный дар"), так и о стиле аниме (один из самых известных - "Они все выглядят одинаково").

 

Сейчас вы наверное спрашиваете себя, а почему я собственно считаю себя вправе давать какие-либо советы по рисованию. Разрешите мне развеять ваши сомнения. Разумеется, ЕСТЬ люди, рисующие лучше, чем я. Однако, существование таких людей не означает, что я совершенно ничего не умею. Я хочу сказать, что хотя я могу рисовать и понимаю сам процесс рисования, существуют люди, которые рисуют дольще, чем я, или упражнялись чаще. Однако, в том что касается понимания того, КАК надо рисовать, я ничем не хуже них.

 

Но могу ли я рисовать? Наверное, лучим ответом будут мои рисунки, и судите сами.

Разумеется, достаточный объем информации как о рисовании вообще, так и о рисовании в стиле аниме, был почерпнут из многих источников, ссылки на многие из которых приведены в разделе литература. Другими источниками послужили письма в конференции rec.arts.anime, фэн-зины и просто разговоры с фэнами аниме; кроме того, несколько лет в художественной школе, пусть и не имели никакого отношения к аниме, многому меня научили, в том числе и творческому процессу рисования, который я сейчас применяю. Тем не менее, большинство материалов на этой странице явились результатом моих наблюдений в процессе рисования или дальнейшей разработки того, что я почерпнул в упомянутых источниках.

 

Пока я еще не видел ни одной книги, объясняющей, как рисовать в стиле аниме. Именно поэтому эта страница и была создана (пока кто-нибудь более авторитетный, чем я, не займется этим, в случае чего я с радостью уступлю ему место). Тем не менее, существуют книги, которые, хоть и ориентированы на американский стиль комиксов или же просто на рисование, обучают таким основам как композиция, визуальные коммуникации, пропорции, философия и т. д. Эти концепции универсальны и практически не зависят от стиля.

 

Предназначена для самых начинающих. Что в ней хорошо, так это то, что она учит новичков, что принимать во внимание при рисовании, и при этом не отпугивает их. Очень понятная и милая книжка об основах рисования комиксов, но не следут считать ее шедевром.

 

Автор - настоящий БОГ комиксов. Книга обучает будущих иллюстраторов комиксов искусству и философии рассказывания истории в комиксе. ОБЯЗАТЕЛЬНОЕ чтение для всех, кто хочет рисовать комиксы, вне зависимости от их стиля.

 

Подумайте об этом. Почему обычные чернильные линии, особым способом проведенные вместе, создают образы, столь полные жизни? Что превращает простые рисунки на листе бумаги в привлекательные трехмерные персонажи, с которыми мы можем себя идентифицировать? Каждому фэну аниме и комиксов знакомы эти чувства, и Скотт МкКлауд дает ответы на эти вопросы. Также ОБЯЗАТЕЛЬНО прочитайте.

 

 

 

Мы вполне имеем право сказать, что ни аниме, ни манга не стали бы тем, чем они сегодня являются, если бы не Осаму Тезука, которого в Японии называют отцом (или богом) комиксов (или даже анимации).

Родившийся в 1928 и умерший в 1989, он нарисовал около 150 000 страниц комиксов, образующих около 500 историй, некоторые из которых состояли из десятков томов, в каждом томе по 250-300 страниц. Осаму был невероятно страстным поклонником комиксов, и передавал эту страсть другим с помощью своих творений. В отличие от американских комиксов, которые, к сожалению. по большому счету ограничиваются историями про супергероев, Тезука создавал комиксы в разных жанрах. Любовные истории, драмы, ужасы, приключения - все, что пожелаете. И хотя стиль его рисунка был достаточно простым, сами истории были столь наполнены смыслом, сложностью и харизмой, что были похожи скорее на романы, чем на дешевое чтиво. Очевидно, что аудитория таких сильных историй не ограничится детьми. Взрослые, как молодые, так и не очень, стали жадными читателями этих историй. В Америке обычный тираж комиксов колеблется в пределах 10 000 - 100 000, в зависимости от рекламы и популярности истории (невероятно редкие исключения достигали миллионной отметки, но они должны были очень активно рекламироваться и чем-то задевать за живое - как, например, выпуск "Смерть Супермена"). Минимальные тиражи работ Тезуки обычно составляли от 400 000 (при отсутствии рекламы) до 1 миллиона с последующими допечатками.

 

Но на этом все не остановилось. Некоторые читатели сами стали писателями и художниками, и все они выросли на шедеврах Тезуки. Под его влиянием, и по его примеру, они создавали истории, не ограниченные "простой жизнью детишек", и все последующие поколения авторов будут следовать этому примеру.

Да простят мне некоторую сенсуальность (это к нашим философам опять - А. Д.), но я должен признать, что среди японских комиксов некоторые истории далеко не так хороши, как бы того хотелось. Как и в любой другой форме развлечений, некоторые истории становятся классикой, а некоторые не заслуживают ничего иного как назваться обычной халтурой. Но что явно выделяет японские комиксы, так это то, что они раздвигают границы рассказывания историй до пределов, которые пока и не снились американским комиксам.

 

 

Ответ: потому что так рисовал Дисней.
Стиль японского "Бога комиксов" Осаму Тезука находился под мощнейшим влиянием американских аниматоров "золотого века". Как и американские аниматоры, он понимал важность выразительности глаз, поэтому он применял ту же технику рисования, что и американские художники, привнеся в нее свой личный стиль. Позднее японские художники комиксов (большинство из которых находится под влиянием Тезуки) копировали этот стиль, хотя подходы у всех были свои собственные. Последующие поколения художников также прошли по этому пути. Вы можете прочитать статью как рисовать аниме глаза. 

 

 

Причина кроется в том, как в Японии рисуют комиксы. Японские комиксы практически полностью, за исключением обложек и порой нескольких страниц в начале, черно-белые. Никакого цвета. В детские годы японских комиксов все волосы рисовались черными.

Ну а теперь представьте себя на месте художника, который должен нарисовать все эти страницы. У каждого персонажа черные волосы. На каждой странице куча персонажей, и у каждого надо закрасить волосы черным цветом. Это очень скучно и утомительно. Хуже того, крайний срок сдачи все ближе и ближе, а у вас осталось еще множество страниц, на каждой из которых надо у каждого персонажа закрасить волосы - снова и снова. Волосы, волосы, волосы...

Художники должны были все это проделывать, пока (я не помню, когда именно, и что это был за комикс) один из художников не решил "срезать путь". Он просто обрисовал внешний контур волос. Конечно, персонаж стал похож на блондина и вообще европейца. По крайней мере, он так воспринимался европейцем. Но следует помнить три вещи:

 

1. Тогда в Японии практически не было европейцев.

 

2. Японцы - не европейцы. То, как мы воспринимаем такой персонаж, обусловлено тем, что здесь мы каждый день видим множество белокурых людей. В практически моноэтнической стране, у жителей которой поголовно черные волосы, встреча с блондином - далеко не рядовое явление.

 

3. Японские комиксы пишутся для японского рынка. Авторам абсолютно наплевать, как их воспринимают где-то за границей.

Поэтому, когда этот комикс вышел, все японцы вполне его поняли. Они просто дополнили художника, мысленно закрасив волосы, и так родилось это течение. Позднее, когда стали больше внимания уделять цвету, уже не в комиксах, а в анимации, у кого-то появилась идея поиграться с идеей "закраски", и он решил использовать разные цвета. То ли странная эстетическая привлекательность (что, по-моему, как ни странно, работает), то ли способ символизации личности персонажа (каждый цвет символизирует какую-либо эмоцию), но идея сработала и прижилась.

 

По-моему, подобная интерпретация художественных работ с нашей стороны выглядела бы надменным высокомерием. Да, "большеглазый" стиль аниме действительно делает персонажи похожими на европейцев, но только потому, что мы сами думаем как европейцы. А не как азиаты. Странно звучит, да? Ну тогда читайте следующий вопрос чтобы узнать нечто, что вас ДЕЙСТВИТЕЛЬНО испугает, если вы попытаетесь задуматься об этом.

 

Потому же, почему и все персонажи комиксов Чарли Брауна. То есть ответ - они НЕ выглядят одинаково. Рисование комиксов, по определению, есть форма графического дизайна и коммуникации. Рисование - это графический способ сказать "Этот набор линий и чернильных пятен есть представление личности и/или идеи". Рисунок использует формы, пятна, линии, кривые, значки и т. д. чтобы послать визуальное послание. И, как в любой форме коммуникации, детали, нюансы и диалекты зависят от окружения, местности, истории, культуры и т. д.

Взгляните на любой комикс Чарли Брауна. То есть очень, очень, очень внимательно приглядитесь. Обратите внимание, как он нарисован. Спросите себя, что художник сделал для того, чтобы персонажи различались, насколько они в действительности похожи друг на друга, и почему же мы все-таки воспринимаем их как совершенно разные персонажи. Посмотрите на любой другой комикс. Даже на американские "супергероические" комиксы (хм, похожесть героев просто лезет из работ Роба Лифилда). Посмотрите на Микки и Минни Маусов. Все что их различает - ресницы и позы. В то же время, посмотрите на Баггса Банни в один из тот моментов, когда он переодевается в женскую одежду. Вы знаете, что это он и никто иной. Почему?

Подумайте об этом. До следующего раза...

 

Способность рисовать не так чужда вам, как вам это кажется. главное в этом деле - наметить себе план и работать согласно ему, а не бросаться рисовать сразу окончательный чистовой вариант. Положим, вы уже решили эту проблему; тотчас перед вами неизбежно встанет другая. Я прошел через это. Мои коллеги прошли через это. Что же это за проблема? Вы можете рисовать, но... откуда взять новые идеи, что-нибудь свое?

Есть ли решение? Что ж, единого решения не существует. Лучший ответ прозвучал в устах знаменитого изобретателя Томаса Эдисона: "Изобретение - это 1% вдохновения и 99% вкалывания". Иными словами (как в слогане фирмы Nike) - "Просто делай это".

 

Но ЧТО делать? Один из наиболее распространенных способов найти идею заключается в постоянном проведении неких исследований: наблюдении за реальными объектами, упражнения со средствами выражения, эксперименты со светом и т. д. Существует достаточно раздражающий стереотип художника, который рисует под воздействием неких импульсов, совершенно спонтанно и без всякой подготовки, как будто он может магическим образом мысленно увидеть готовый рисунок и затем просто перенести его на бумагу, минуя все промежуточные стадии. Да, история знала несколько таких художников (пара - тройка рождается каждые сто лет), но все остальные сначала планируют, исследуют, и, самое главное, делают наброски, наброски и еще раз наброски.

Я знаю, что мои слова вызовут нарекания со стороны некоторых художников комиксов, особенно придерживающихся "западного" стиля, поскольку последний абзац звучит как будто я принижаю значение спонтанности и простоты рисования комиксов. Нет и еще раз нет! В этом есть свой шарм. В конце концов, были бы работы Чарльза Шульца "Peanuts" или Ваттерсоновские "Calvin and Hobbes" столь же очаровательны, если бы их рисовали в усложненном стиле? Но прошу не забывать того, что эти страницы посвящены рисованию в одном определенном стиле, а именно в стиле японских комиксов. У них есть свои элементы упрощения, но есть место и для сложных построений - к которым не так то просто подступиться с бухты-барахты, если только вы не один из тех художников, кто рисует уже несколько десятилетий и развил в себе необходимые навыки.

Но возвратимся к нашей теме...

 

Так что же исследовать, с чего делать наброски? Разумеется, это зависит от того, что же вы хотите нарисовать. Например, допустим вы хотите нарисовать нечто в стиле фэнтези, скажем, рыцаря на коне. Теперь подумайте, из каких элементов должен состоять рисунок. конечно, в первую очередь конь и рыцарь, но что еще? Как насчет меча? Другого оружия? Что за лошадь? Как выглядит седло? Что окружает персонаж? Я хочу сказать - "А тщательно ли вы все представляете?" Если да, хорошо. Вы знаете, чего можно ожидать и как добиться нужного ощущения от рисунка. Ну а что можно сказать о тех, кто ответил "нет"? Ответ прост: "Исследуйте это". Неплохим началом может послужить поход в местную библиотеку - поищите нужные картинки в книгах. Это просто. Когда вы встретите то, что посчитаете картинкой, с которой уже можно работать, делайте заметки в блокноте и наброски, обращая основное внимание на общий вид, а не на красивость рисунка. Стоит ли изучать объекты рисования в натуре? Если у вас есть такая возможность (и желание) - конечно, да. Как правило, объем исследований напрямую зависит от степени вашего желания сделать все правильно.

 

 

Что делать в случаях, если у объекта рисунка нет реального прототипа? Делайте то же, что и другие художники. Взгляните на обыденные объекты под необычным углом. Вот здесь-то и нужно будет извести тонны бумаги на наброски и эскизы. Просто выберите какую-нибудь вещь и вертите ее так и сяк, смотря, что может получиться, или нарисуйте "смесь" из нескольких вещей. Думаете, это невозможно? Ну да, согласен, задача непростая, особенно в первый раз. Ваша вера подвергается суровому испытанию, многое сразу может не получиться. Единственное, что я могу вам сказать - будьте настойчивы, и не принимайте все слишком всерьез. Ни в коем случае нельзя ограничивать себя готовыми рисунками, к зарождению которых вы не имели никакого отношения, так что возитесь сами, и не бойтесь выглядеть смешно. Не волнуйтесь о том, что можете выставить себя дураком с вашими рисунками. Все художники ДОЛЖНЫ пройти через эту стадию в своих экспериментах, и если вы слишком озабочены собственной чопорностью, БРОСЬТЕ ВСЕ И ЗАБУДЬТЕ О РИСОВАНИИ. Потому что у вас столько энергии сфокусировано на самом себе, что ее не хватит на творчество.

 

Боитесь, что другие заглянут в ваш блокнот с набросками и расхохочутся? Ненавидите выглядеть смешно из-за того, что ваши наброски заставляют думать, что даже еще не родившийся плод может нарисовать лучше? получите порцию воодушевления. Не верите? Попробуйте и посмотрите сами. Но если вы хотите больше узнать о творчестве, читайте дальше.

Ниже я привожу список идей о том, как придумать идею. Этот отрывок взят из книги Кита Лэйборна "The Animation Book". (стр 10-11):

Вот дюжина способов найти и сохранять хорошие идеи:

 

БЛОКНОТ С ИДЕЯМИ:

купите большой (по меньшей мере 11х14 дюймов) блокнот на пружинке, с большими, белыми листами хорошей бумаги. Этот блокнот станет домом для ваших идей. Используйте его как и когда хотите. Заносите на его странице все проблески, имеющие хоть какое-то отношение к желаемой идее... Образы, цитаты, воспоминания и т. д.

Большой формат необходим, поскольку благодаря ему на одной странице можно сравнить сразу несколько идей или визуальных элементов. Отсутствие линеек или клеточек заставит вас искать незнакомые способы выражения своих идей. Пружинки позволят вам удобно уложит блокнот для рисования. Кроме того, в такой блокнот удобно вкладывать разные дополнительные материалы - вырезки, открытки, наброски, коллажи, и т. д.

 

ДИКИЕ СОЧЕТАНИЯ:

сравнивайте и ищите аналогии во всех вещах. Придумайте какую-нибудь провокационную идею и попытайтесь приложить ее ко всему тому, что встретите в течении дня. Выберите какой-нибудь предмет и в течени, скажем, пяти минут подумайте о том, как, при каких условиях, почему и с каким результатом он может или не может быть скомбинирован с каким-либо иным объектом или внешним условием и т. д. Как зубная щетка относится к утреней газете? На что похожа зубная боль?

 

ДНЕВНИК СНОВИДЕНИЙ:

Маслоу сказал, что творчество происходит из подсознания. Он писал: "В наших снах мы можем быть... умнее, смелее и отважнее... когда открываются клапаны, снимается внешний контроль, подавление и оборона, мы становимся гораздо более творческими натурами, чем это обычно видно невооруженным глазом".

Записывайте свои сны сразу после пробуждения. Вы обнаружите, что ваше собственное подсознание является замечательным источником новых идей. Со временем вам будет совсем не трудно запоминать сны в красках и со всеми подробностями. Попробуйте. Вам понравится. И это работает.

 

ПЕРЕРАБОТКА ИДЕЙ:

В мире нет абсолютно новых идей. Когда-то, где-то, кем-то все возможные комбинации идей уже выдуманы. Но это должно служить лишь стимулом к тому, чтобы заимствовать идеи, перерабатывать их, делать их своими. Делайте это осмысленно. Если вы встретите чужую идею, которая вам понравилась, запишите ее. По мере работы над собственными идеями вы неизбежно включите то, что понравилось вам в этой идее, в свои собственные. Таким образом эта идея станет уже вашей - в той степени, в которой идея вообще может кому-либо принадлежать.

 

МОЗГОВОЙ ШТУРМ:

Эта техника решения проблем требует работы группы людей. Цель мозгового штурма - придумать как можно больше возможных решений определенной проблемы. Главное - количество идей, качество их не обсуждается. Чтобы добиться хорошего результата, каждый член группы должен высказывать любую идею, как только та придет ему в голову. Никакой самоцензуры. Не надо говорить: "Ну, не знаю, подойдет это или нет..." Просто выкрикните свою идею, свои свободные ассоциации.

Мозговой штурм основан на теории, согласно которой спонтанное генерирование идей породит новые и ценные решения, и что группа людей может выказать большее количество идей, чем то же количество людей поодиночке. Первый этап мозгового штурма - генерирование идей. обычно его ограничивают во времени - скажем, пятью минутами. Затем наступает второй этап, когда происходит оценка идей. Это тоже можно сделать творчески. Идеи могут интересно комбинироваться; дискуссия может привести к тщательной переработке идей, которая была невозможна в спешке первого этапа.

 

ДОЛГИЙ ЯЩИК:

Иногда лучший способ решить проблему - это забыть о ней. Подсознание само будет работать над проблемой даже когда сознание озаботилось чем-то совсем другим. Инкубационный период очень важен для творчества, и именно поэтому работа с чрезмерно жестким крайним сроком будет малопродуктивна в том случае, если необходимо оригинальное мышление. Так что одной из сознательных стратегий является перекладывание заботы об идеях на подсознание.

 

СМЕШИВАНИЕ СРЕДСТВ ВЫРАЖЕНИЯ:

Как указывал теоретик средств выражения Маршалл МакЛуэн, при переносе идеи с одного носителя на другой происходит мощный выброс энергии. Поэтому ищите идеи в других видах искусства. Процесс перекрестного опыления ценят используют творческие люди многих форм искусства: танца, театра, литературы, мимики, музыки, скульптуры, живописи, и т. д.

 

КРУТИЗНА:

Если ничто другое не работает, попробуйте грубую силу. Пробейтесь к хорошей идее. Пусть вдохновение родится из пота. Дисциплинированная работа - затрачивание на нее определенного времени, даже если кажется, что ничего в голову не лезет - зачастую приводит к неожиданным прорывам. Если вы круглый год будете тратить каждый день по двадцать минут на работу со своим блокнотом с идеями, я обещаю, что одна только эта дисциплинированность здорово вам поможет. Что-то ценное обязательно появится. И, в конце концов, это что-то разовьется в хорошую идею.

 

 

Мне нечего добавить к последней фразе этого отрывка. И помните, не только у вас возникают проблемы с идеями, но и у всех других художников. А теперь принимайтесь за свои каракули.